Ball llatinoamericà

Mèxic

Les cultures indígenes de Mèxic han contribuït a les tradicions regionals i mestisses distintives que es troben a tot el país. L’esclavitud africana va tenir un paper molt menor que al Carib. Un dels esdeveniments de dansa més elaborats de Mèxic homenatja la patrona del país, la Mare de Déu de Guadalupe (La Mare de Déu de Guadalupe), el dia de la festa del qual és el 12 de desembre. Guadalupe a Ciutat de Mèxic. Un dels grups distintius i influents són els ballarins Chichimec, que es diuen concheros perquè alguns, mentre ballen, també toquen un instrument similar a la guitarra elaborat amb la closca (concha) d'un armadillo. Milers de grups de dansa religiosa a tot Mèxic actuen regularment per a festes i festes catòliques romanes. Els seus elaborats vestits, que triguen molt a construir-se, estan adornats amb lluentons, plomes, petxines, cintes, retalls metàl·lics i brodats.

La música del jarabe Tapatío, el ball nacional de Mèxic (també anomenat jarabe nacional), va tenir el seu origen en una col·lecció de sonets regionals del país que es van formar en una composició musical a la primera part del segle XX. El jarabe Tapatío representa la identitat cultural de la població mestissa de Mèxic. El conjunt musical que acompanya el ball és el mariachi, un altre dels símbols més coneguts de Mèxic. (Des del 1930, la típica banda de mariachi consta de dues trompetes, tres o més violins, diversos instruments de la família de la guitarra i, de vegades, una arpa.) Aquest entreteniment popular mexicà reflecteix un passat romàntic i un estil de vida rural. Tant el jarabe Tapatío com el mariachi tracen les seves arrels fins a l'estat de Jalisco; Les persones que viuen a prop de Guadalajara, la capital de l'estat, són conegudes com Tapatíos. La imatge de la dona jaliscana que elabora dissenys elaborats amb el moviment de la seva falda s’ha convertit en una marca comercial de la dansa mexicana.

El 1952, una jove ballarina i coreògrafa de la Ciutat de Mèxic anomenada Amalia Hernández va fundar el Ballet Folklòric de Mèxic, un espectacle de dansa a l'estil fantàstic dels Ballets Russos (establert el 1909), amb elaborats vestits, decorats i il·luminació. Com la ballarina nord-americana Katherine Dunham havia fet als anys trenta amb la dansa del Carib, Hernández va crear una forma híbrida de ball de concerts que va prendre mestissatge mexicà i dansa indígena i els va modificar amb tècniques de dansa de la dansa moderna. Precedent per a aquest estil de dansa havia estat establert per altres conjunts nacionals de dansa, com la companyia de Rússia Moiseyev (fundada el 1937; vegeu també Moiseiev, Igor Aleksandrovich); un procés similar estava en marxa amb l'empresa filipina Bayanihan (establerta el 1957). La transformació de la dansa tradicional en gènere de performance va fomentar el nacionalisme mexicà. L’objectiu relacionat amb mostrar la realització nacional es va donar per fort quan el 1962 el Ballet Folklòric va guanyar un concurs internacional de companyies nacionals de dansa popular. Els principis artístics d'Amalia Hernández han estat copiats per centenars de troballes folklòriques a Mèxic, altres parts d'Amèrica Llatina i els Estats Units.

Els mexicans han adoptat des de fa molt temps danses socials d’orígens diversos, dissenyant-les per mostrar un sabor mexicà diferent. Històricament, músics experts mexicans han incorporat regularment noves tendències musicals als seus repertoris, ja sigui el mambo del cubà Pérez Prado o el rock de Chicano Carlos Santana. Tot i això, també han estat innovadors. Banda (literalment, "banda"), per exemple, es considera un gènere estrictament mexicà. La música fa referència a una síntesi de ritmes de dansa tradicional (per exemple, polka, cúmbia, son i vals) que s’han transformat imaginativament mitjançant l’ús de la tecnologia de gravació electrònica i un estil d’actuació hiperactiu. La majoria de la música de banda és excel·lent, i empenta els ballarins masculins a saltar, girar, galopar i balancejar els seus companys cap amunt o capbussar-los a terra. La banda també té ritmes lents, que permeten als ballarins l'oportunitat de balancejar-se cap endavant amb una abraçada relaxant. A principis del segle XX, les petites ciutats de l'oest de Mèxic van passar per una transició forçada de l'estil de vida del rural a l'urbà, ja que les fàbriques i les urbanitzacions van substituir les terres de conreu. Molts treballadors agrícoles van deixar Mèxic per buscar una vida millor als Estats Units. Per a molts, la banda simbolitza l’orgull de la identitat mexicana i manifesta desafiament davant el que es perd en el procés de modernització.

Amèrica Central, Colòmbia i Veneçuela

Culturalment i històricament, Amèrica Central comparteix molt amb les regions circumdants, incloses les restes de la dansa maia, els drames religiosos de moros i cristians, danses populars acompanyades de marimba i cúmbia. Tanmateix, l’única centreamericana és la punta de la garifuna —un grup cultural d’origen mixt amerindi i africà— que es troba a la costa atlàntica de Guatemala, Belize, Hondures i Nicaragua. Punta és un ball social d’alegria i festivitat, a més d’un emblema de la supervivència cultural. En el seu aspecte festiu, punta permet als ballarins interactuar amb la bateria com a parelles o individus que intenten superar-se mútuament amb malucs i natges. En el seu aspecte ritual, punta és una cerimònia per als morts, una celebració remitent a una vida millor al següent món. Un moment embrutador de la dansa es produeix quan un ballarí es remunta per la sorra en direcció a l’oceà Atlàntic i l’Àfrica i deixa dos retoladors pel camí que ha de seguir l’esperit per tornar a casa als seus avantpassats.

El port de Cartagena, a la costa del Carib de Colòmbia, era un punt important de connexió entre Espanya i la regió que comprèn Colòmbia i Veneçuela. Els bailecitos de terra (fandangos) d'aquesta zona, que són similars al jarabe mexicà i al zamacueca peruà, s'anomenen bambuco i joropo. El bambuco combina característiques de les danses fandango, andina i afro-llatina, ja que els socis utilitzen un mocador per coquetejar i embellir el tema de la mainada del ball. El joropo es distingeix més enllà de la separació de la parella, amb l'home que balla el zapateat, per a un segment en què els ballarins es mantenen lleugerament i ballen petits passos de vals al seu lloc. Aquesta zona costanera va donar lloc a la cúmbia, una hibridació del fandango espanyol i del combe africà. El primer relat escrit de cúmbia (1840) el descrivia com una dansa interpretada pels esclaus per a la festa de la Mare de Déu de la Candelària (la Mare de Déu de la Candelària). Les dones portaven espelmes per encendre l’espai i mantenir els homes a una distància respectable. Es tractava d'una suau dansa de passos curts i lliscants que es movia lentament en sentit antihorari en un cercle, l'home perseguint i demanant a la dona. Mentre viatjava, la dona es balancejava lentament pel cos i va moure la falda; l’home va reconèixer la seva parella amb gestos de braç i va utilitzar el barret per ventilar-lo o per “coronar-la”. En moments imprevisibles, la dona girava i passaria l’espelma per davant de la cara de l’home, provocant-lo que s’anegui o es recolzés per evitar que es cremés.

A la dècada de 1940, el conjunt musical de tambores (bateria), maraques i flautes de Cúmbia es va expandir sota la influència del so de la gran banda d'Amèrica del Nord i Cuba. La cumbia era una dansa per a dos, similar al fill i mambo cubans. La nova cúmbia va conquerir ràpidament l'escena de dansa llatina des de Califòrnia fins a l'Argentina. Una de les seves característiques més populars era la seva versatilitat; es podia adaptar com una dansa de parella oberta o tancada o com una dansa en grup en què els individus formaven un cercle a la pista de ball i improvisaven a la música o prenien voltes en solitari al centre del cercle. La cumbia va regnar com la dansa llatina més popular fins a l’auge de la salsa als anys l960.

Brasil

La dansa brasilera està dominada per components del patrimoni africà i portuguès del Brasil. Com en els altres països llatinoamericans on les plantacions treballades per esclaus es van convertir en la base de l’economia colonial, la influència africana sobre la música i la dansa va ser forta. A Brasil, la cultura d’elit es va mantenir portuguesa i el catolicisme romà era la religió oficial. La dansa nacional del Brasil, la samba, es va originar a l'estat de Bahia entre els esclaus i els africans alliberats. Samba da roda ("ring samba") és similar a la bomba porto-riquenya i la rumba cubana; és un arranjament circular de ballarins, músics i espectadors en espera; Els ballarins entren generalment d’un en un. El pas bàsic és un intercanvi ràpid, lliscament de el pes d'una cama a l'altra, en resposta a una velocitat constant de ² / ₄ pols exercit per instruments de percussió. La major part del moviment del ballarí es troba per sota de la cintura, mentre que el cos superior es manté relativament quiet i relaxat.

Després que l'esclavitud acabés el 1888, els treballadors de la canya de sucre van emigrar a les ciutats; molts d'ells es van establir als turons que envolten Rio de Janeiro. Aquestes favelles (barraquistes) es van convertir en les incubadores del samba de Carnaval de Rio, ja que els seus habitants s’organitzaven en escoles de samba (“escoles de samba”, que funcionaven com a clubs basats en la comunitat). El Carnaval al Brasil és un alliberament explosiu d'energia, ja que la música i el ball alimenten festes i cercaviles exuberants al carrer. Samba va traspassar la línia de colors i va arribar a la popularitat nacional a través de les indústries de la ràdio i la gravació als anys quaranta. Entre les moltes variacions de samba sorgides al segle XX destaquen el chorinho, la bossa nova, la gafieira, la samba de saló, la samba-enredo, la samba de mulates, la samba reggae i el pegode.

Altres parts del Brasil tenen un estil propi de la música i el ball de Carnestoltes, com ara frevo (un atletisme molt ràpid, amb alguns moviments similars als del ball popular rus) i maracatus de Pernambuco i afoxé i bloco afro de Salvador. El més antic dels grups afoxè afro-brasilers, Filhos de Gandhy, va ser fundat als anys quaranta com a manera d'exhibir temes de germanor, pau i tolerància en un entorn ple de discriminació. Aquest grup va organitzar una unitat afoxé tot masculina vestida de seguidors del líder indi Mohandas Gandhi. Els patrons de bateria i els moviments de ball es van inspirar en la dansa de Candomblé i van emfatitzar la curació. A partir dels anys setanta, aquest missatge d’orgull negre es va fer ressò de molts grups desfiladors anomenats blocos afros. Els seus temes, els seus vestits i la seva coreografia van ser d'inspiració africana i van mostrar el moviment fluid dels seus torsos i els seus gestos.

La pràctica religiosa de Candomblé, que es basa en l'africà brasiler, i pràctiques relacionades a tot el país, utilitzen la dansa com a element central del culte. Candomblé és una adaptació del sistema espiritual ioruba procedent de l’Àfrica occidental, similar a la pràctica de Santería de Cuba; Es creu que l’original (orishas, ​​o deïtats) controla les forces de la natura. Les ballarines Candomblé, principalment dones, es mouen en sentit antihorari, cantant els elogis de la creació, mentre que tres bateristes masculins convocen les divinitats al festival. Els moviments d'arrossegament i posterior filat, vibració i llançament assenyalen la possessió d'un ballarí per una creació. En un moment donat, una pausa en el ritual permet als que han tingut la possibilitat d’entrar en una habitació o casa especial i canviar-se per la roba cerimonial que representa el seu origen; per exemple, una ballarina fa un vestit blau i una corona de plata per assenyalar la presència de la deessa marina Iemanjá. Els ballarins tornen al ritual, encara en estat de possessió, per ballar els moviments característics de la seva creació. Les escoles de dansa i els grups de representació de Salvador han extret el vestuari, la bateria, el cant i la dansa del lloc ritual. La dança dos creació s'ha convertit en part de les actuacions de balé folclòric local (ballet folklòric); tanmateix, no es permeten rituals de possessió per part de l’article fora de l’àmbit religiós.

A més de la samba i la Candomblé, es pensa que la capoeira, una barreja d'art marcial i dansa, és d'origen africà. Una vegada una forma d’autodefensa que es disfressa com a entreteniment, la capoeira s’ha convertit en una característica de grups de ball folklòric brasiler. Els seus característics moviments acrobàtics i els gestos assaltats de les cames creen un espectacle d’emoció i perill.